Mit 95 jung bleiben? Dieser israelische Künstler weiß wie

Der bekannte israelische Künstler Yaacov Agam macht auch im Alter von 95 Jahren immer noch Kunst, 50 Jahre nachdem seine Werke weltweit große Anerkennung gefunden haben

Yaacov Agam trägt überall, wo er hingeht, eine Statue namens „Beating Heart“ bei sich. Es verfügt über alle Komponenten der klassischen „Agamischen“ Arbeit: Schönheit, Bewegung und Veränderung. Es operiert in den Dimensionen der Zeit und sicherlich auch des Raums und bietet dem Betrachter die Möglichkeit, aktiv an der Arbeit teilzunehmen.

Mit einem breiten Lächeln lädt mich Agam ein, einen Finger auszustrecken und aus mehreren Ringen einen auszuwählen, den ich an diesem schlagenden Herzen schwingen möchte. Ich wähle einen aus, schwinge ihn und werde sanft gerügt, weil ich ihn zu stark bewege.

Für Agam war es wichtig, dass ich die grandiose Wirkung einer kleinen Aktion sehe. Das möchte er mir auch bei unserem Rundgang durch das Yaacov Agam Museum of Art in Rishon Letzion demonstrieren.

In Israel neigen die Menschen dazu, seine Kunst herunterzuspielen und seine Persönlichkeit zu beklagen. Dennoch verdient Agams gesamtes Werk eine Diskussion, die weit über die von ihm geschaffenen visuellen Illusionen und seine trügerische Persönlichkeit hinausgeht.

Agam, der gerade 95 Jahre alt geworden ist, ist in jeder Hinsicht ein Künstler. Neben Skulpturen und Gemälden spielt und komponiert er auch Musik (während unseres gemeinsamen Vormittags holte er gelegentlich eine alte Holzblockflöte aus seiner Tasche und spielte darauf). Er ist Modedesigner, hat ein ingenieurmäßiges Gespür für Großbauten wie Springbrunnen und Außenskulpturen, webt Teppiche, zeichnet Porträts, entwickelt künstlerische Techniken, liebt Technik und schafft Videokunst. Viele seiner Werke sind so bekannt, dass sie zum Klischee geworden sind. Sie befassen sich immer mit Raum, Zeit und Spiritualität – konkret mit der jüdischen Mystik.

Tatsächlich wollte Agam von Anfang an in all seinen Werken die gleiche Frage stellen: Wie kann Kunst von ihrer festen Dimension gelöst werden, sich durch den Raum bewegen und beim Betrachter ein Gefühl spiritueller und sogar religiöser Erhabenheit wecken?

Es ist interessant, dass Sie das Judentum als Grundlage Ihrer Arbeit betrachten. Doch das zweite Gebot, das unmittelbar auf die Anweisung zum Glauben an Gott folgt, lautet: „Du sollst dir kein geschnitztes Bild machen.“

„Es ist wahr, dass Synagogen, anders als in christlichen Kirchen, in erster Linie ein Ort zum Beten und nicht zum Schaffen von Kunst sind. Aber jeder drückt sein Judentum so aus, wie er es für richtig hält; das Judentum kann nicht eingeschränkt werden. Meine Werke basieren auf Gebet und Liebe.“ I Glaube nicht an den Zufall, sondern an Willenskraft und Gebet.

Alles ist derzeit im Prozess der Bildung oder Veränderung. Und in der Ausbildung möchte jeder seine Position stärker zum Ausdruck bringen. Ich bin eher optimistisch als pessimistisch, aber darüber hinaus möchte ich nicht über Politik sprechen.

Die symmetrischen, farbenfrohen, abstrakten Bilder in seinen Werken wirken vielleicht nicht jüdisch, die Namen der Stücke und ihre Inspirationsquellen jedoch schon. Eine davon ist die vielfarbige Skulptur „Jakobsleiter“ im International Convention Center in Jerusalem und vielleicht sein bekanntestes Werk in Israel. Eine weitere Statue, „Mea She'arim“ („hundertfach“, ein Begriff aus Genesis in der Bibel), befindet sich in der Residenz des Präsidenten (ebenfalls in Jerusalem). Ein weiteres bekanntes Werk ist „Pace of Time“, das an der Eingangswand des Tel Aviv Museum of Art hängt und kabbalistische Ikonographie aufweist.

Eines von Agams für unsere Gegenwart relevantesten Werken ist an einer anderen Eingangswand im oben genannten Agam-Museum ausgestellt. Dieses Stück aus dem Jahr 1990 heißt „Davidstern“ und auf der einen Seite sieht man zwei bunte und geradlinige Davidsterne, auf der anderen etwas ganz anderes – ineinander übergehende Quadrate.

Agam bittet mich, mich vor dem Stück hin und her zu bewegen und fragt: „Ist das nicht eine treffende Beschreibung dessen, was gerade in diesem Land passiert?“ Als ich ihn bitte, etwas über seine Meinung zum Vorgehen der Regierung und den langjährigen Demonstrationen dagegen zu sagen, antwortet er: „Alles befindet sich derzeit im Prozess der Bildung oder Veränderung. Und in einem Zustand der Bildung möchte jeder stärker geben.“ Ich bin eher optimistisch als pessimistisch, aber darüber hinaus möchte ich nicht über Politik sprechen.“

Im Gegensatz zu Erwachsenen schätzen Kinder Offenbarung und lieben es, sich zu verstecken und gefunden zu werden – und der schönste Teil in uns ist der kindliche Teil. Indem sie dies mit den Zuschauern teilen, können sie ihre eigene innere Stärke entdecken und Kreativität spüren, Veränderungen erleben.

Das reagierende Auge

Agam wurde in Rishon Letzion, ein paar Minuten südlich von Tel Aviv, als Sohn einer Familie mit 11 Brüdern und Schwestern geboren. „Ich war ein Kind mit vielen Problemen“, erzählt er. „Mein Vater war Rabbiner und wollte mich auf eine Religionsschule schicken. Aber ich habe die Schule verlassen und bin schließlich auf ein reguläres Gymnasium gegangen.“ Einer seiner Brüder, Hanania Gibstein, war später Bürgermeister der Stadt; dort wurde auch seine verstorbene Frau Clila geboren.

1946, im Alter von 18 Jahren, wurde er während der Operation Agatha (auch bekannt als „Black Sabbath“) von den herrschenden britischen Streitkräften verhaftet und verbüßte mehrere Monate im Gefängnis in Latrun. Die Kunstwissenschaftlerin und Kuratorin Dana Grinshpan-Bisseliches schrieb ihre Abschlussarbeit über Agam für einen Masterstudiengang in kuratorischen Studien in Paris. Sie fand in einem der Archive ein Gemälde – etwas, das er getan hatte, um einen Zellengenossen im Internierungslager aufzuheitern. „Es ist ein surreales Gemälde eines Engels, der in einem Raum wohnt, eines, das Gravuren ähnelt. Wenn man es sieht, versteht man, dass Spiritualität in seinem Leben und damit in seinem Werk von Anfang an präsent war. Es ist nur die Art und Weise, wie sie ausgedrückt wird.“ das ändert sich“, sagt sie.

Mit 20 Jahren begann Agam ein Kunststudium an der Bezalel – Akademie für Kunst und Design in Jerusalem und zog nach Ende seines Studiums nach Zürich, um eine Ausbildung bei Johannes Itten zu erhalten, einem Spezialisten für Farbkunst in der Bauhaus-Bewegung. Als nächstes zog Agam nach Paris, wo sich Clila ihm anschloss. Das Paar heiratete und verbrachte seine Zeit zwischen Israel und Frankreich, bis Clila im Alter von 49 Jahren starb. Bis heute lebt er in beiden Ländern.

1986 wurde „Feuer und Wasser“ auf dem Dizengoff-Platz eingeweiht und präsentierte zweimal täglich eine Show mit Feuer und Wasser, begleitet von Musik. Agam erklärte, dass die Verbindung zwischen Feuer und Wasser ein Ausdruck jüdischer Mystik sei.

Das Agam-Museum ist Clila gewidmet und Besucher werden von hohen und farbenfrohen Bauwerken namens „Säulen von Clila“ begrüßt. „Jedes Mal, wenn ich hier reinkomme, spüre ich sie“, sagt er.

Nach dem Verlust seiner Frau lernte Agam die französische Harfenistin Chantal Thomas d'Hoste kennen und die beiden sind seit vielen Jahren zusammen. Sie wirken wie ein liebevolles Paar: Sie sorgt dafür, dass er für das Fotoshooting ordentlich aussieht und richtet seinen Schal; er hört nie auf, sie und ihre Musik zu loben.

Die frühen Jahre von Yaacov und Clila Agam in Paris unterschieden sich nicht so sehr vom Leben unzähliger anderer Künstler: Beide verdienten ihren Lebensunterhalt tagsüber mit Gelegenheitsjobs und er schuf nachts Kunst in seinem Atelier. Die Künstlerin Nina Lebel, die Frau des Kunstkritikers Robert Lebel, war von Agams Werk begeistert und stellte ihn dem Besitzer der Galerie Craven vor. Dort wurde 1953 seine erste Ausstellung gezeigt. Sie war künstlerisch und finanziell ein Erfolg. Sogar Max Ernst, der bedeutendste Surrealist seiner Zeit, kaufte eines seiner Werke.

Er freundete sich mit den Bildhauern Constantin Brâncuși und Alexander Calder, dem Fotografen Henri Cartier-Bresson, den Künstlern Yves Klein und Victor Vasarely, dem Dramatiker Eugène Ionesco und vielen anderen zu dieser Zeit in Paris tätigen Personen an.

In Frankreich gilt Agam als großer und bekannter Künstler, und in der Geschichte der kinetischen Kunst taucht sein Name als einer der ganz Großen auf.

Als ich Agam frage, ob er plant, die Retrospektive des Schweizer Bildhauers Alberto Giacometti zu besuchen (derzeit im Eyal Ofer-Pavillon im Tel Aviv Museum of Art zu sehen), antwortet er: „Giacometti? Ich kannte ihn persönlich. Wir haben uns damals kennengelernt.“ in Montparnasse, in Paris.

Im Jahr 1964 gehörte Agam zu einer Gruppe von Künstlern aus aller Welt, deren Werke im MOMA in New York City auf einer Ausstellung zum Thema Op-Art (kurz für optische Kunst) gezeigt wurden. Sein Name war „The Responsive Eye“. Während das Publikum die Ausstellung liebte und in Scharen dorthin strömte, argumentierten Kunstkritiker, dass es sich dabei eher um populistische optische Täuschungen als um wichtige oder tiefgreifende Kunst handele. Bis heute beschreiben viele Kunstwissenschaftler und Kritiker Agams Kunst als oberflächlich, kindisch und festgefahren.

Als Antwort auf diese Kritik sagt Agam: „Bei den meisten meiner Arbeiten teile ich meine Arbeit mit den Betrachtern. Sie sind meine Partner: Sie sind willkommen, sie zu berühren, zu verschieben und sich davor zu bewegen. Am Anfang, in Frankreich, waren sie.“ sagten, es sei skandalös, weil der Betrachter außerhalb des künstlerischen Erlebnisses stehen müsse und warum mache ich sie plötzlich zu einem Teil davon? Und jetzt sagen sie, es sei kindisch, den Betrachter einzubeziehen.

„Jeder, der meine Werke für kindisch hält, ist wahrscheinlich selbst kindisch. Sind diese Säulen hier draußen kindisch“, fragt er und zeigt auf „Säulen von Clila“. „Sie geben dem Aufstieg des Geistes Ausdruck, der Offenbarung. Im Gegensatz zu Erwachsenen schätzen Kinder Offenbarung und lieben es, sich zu verstecken und gefunden zu werden – und der schönste Teil in uns ist der kindliche Teil. Indem sie dies mit den Betrachtern teilen, können sie entdecken.“ die eigene innere Stärke und Kreativität berühren, Veränderung erleben.“

Ob im Guten oder im Schlechten, je nach Standpunkt, prägt Kindlichkeit nicht nur Agams Arbeit, sondern auch sein Verhalten. Er hat eine ständige Verspieltheit: die Art, wie er sich bewegt (trotz des 95-jährigen Körpers, der ihn trägt); sein schelmischer Sinn für Humor; das Glitzern in seinen Augen. Oftmals wirft er spielerisch seinen Hut – der längst zu seinem Markenzeichen geworden ist – in die Luft, um ihn auf dem Kopf landen zu lassen (erfolglos, aber unter dem Klang seines eigenen lauten Lachens).

Trotz der ihn umgebenden Kritik wurde Agam in den 1960er und 1970er Jahren zu einem weltweit erfolgreichen Künstler. Ähnlich wie die Fassaden, die er für das Dan Hotel in Tel Aviv und die Ne'eman Towers im Norden Tel Avivs gegenüber dem Meer schuf, wurde er auch mit der Gestaltung farbenfroher Fassaden in Taiwan beauftragt. Seine Skulpturen sind im öffentlichen Raum in Frankreich, den USA und Asien zu sehen, während seine Werke in Museen und Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt sind. Retrospektiven wurden im Museum für Moderne Kunst der Stadt Paris, im Stedelijk Museum Amsterdam, im Guggenheim in New York und im Tel Aviv Museum of Art gezeigt.

Der erste seiner zahlreichen Preise wurde ihm 1963 von den Kuratoren der Biennale von São Paulo in Brasilien verliehen. Später erhielt er die Ehrendoktorwürde der Universität Tel Aviv sowie eine Auszeichnung des Israel Museums. Er wurde kürzlich auch von der französischen Regierung geehrt. Im Jahr 2010 wurde sein Gemälde „Wachstum“ von Sotheby's New York für 698.000 US-Dollar versteigert – ein Rekord für einen israelischen Künstler.

„In Frankreich gilt Agam als großer und bekannter Künstler, und in der Geschichte der kinetischen Kunst taucht sein Name als einer der ganz Großen auf“, sagt Grinshpan-Bisseliches. Sie glaubt, dass der Grund dafür, dass Agam in Israel unterschätzt wird, darin besteht, dass er von den wichtigsten Kunstbewegungen, die hier tätig sind, losgelöst ist.

„In vielerlei Hinsicht ist der Inhalt seiner Kunst sehr ‚jüdisch‘ und ihr Erscheinungsbild weniger ‚israelisch‘“, erklärt sie. „Agam nutzt die Ästhetik der Bauhaus-Bewegung, fügt ihr aber jüdische Symbole und Metaphern hinzu.

„Eines der deutlichsten Beispiele dafür ist die Statue ‚Jakobsleiter‘.“ Er nahm dieses vertraute Symbol und verwandelte es in etwas Kinetisches und Bauhaus-artiges. In Israel gibt es eine Tendenz, seine Kunst als simpel zu beschreiben, aber das ist nicht unbedingt der Fall. Agam weist nicht den Mangel an Material auf, der einen Großteil der israelischen Kunst charakterisiert – dies Das liegt vielleicht an der langjährigen Ausbildung im Ausland, wo es eine Tradition für akribische Techniken gibt. Das ist vielleicht das, was die Leute an ihm wütend macht und es schwierig macht, mit ihm zusammenzuarbeiten, weil das Konservierungsprotokoll seiner Werke sehr schwer einzuhalten ist. Alles ist handgefertigt und äußerst sorgfältig.“

Viele Kunstwissenschaftler und Kuratoren, insbesondere in Israel, sind der Ansicht, dass Agams Kunst seit den 70er Jahren stagniert.

„Agam war in den 50er und 60er Jahren ein sehr wichtiger Künstler, aber sein Beitrag war sehr konkret. Danach gab es keine große Innovation oder Erneuerung“, bemerkte Kunstkuratorin Ruth Direktor vor einigen Jahren in einem Interview mit dieser Zeitung. Ruth Makbi, Direktorin des Agam-Museums, glaubt, dass Agam in Israel aus „klassischem ‚Schriftstellerneid‘“ nicht geschätzt wird. Sein Erfolg begann im Ausland und dann kehrte er nach Israel zurück. Nicht umgekehrt, wie es normalerweise passiert: in Israel aufwachsen und dann durchbrechen. Und das ist für die Menschen hier schwer zu akzeptieren.

„Agam war ein Genie und jemand, der an der Startlinie einer der wichtigsten künstlerischen Bewegungen nach dem Zweiten Weltkrieg stand. Er war voller neuer Ideen über das Erleben der Zeit. Seit fast 30 Jahren hat er faszinierende und wichtige Werke geschaffen, und nicht umsonst gehören sie heute zu den bedeutendsten Sammlungen der Welt“, sagt der Haaretz-Kunstkritiker Gilad Melzer, selbst ehemaliger Kurator und Direktor des Agam-Museums zwischen 2013 und 2018. „Gleichzeitig“, sagt er fügt hinzu: „Er ist ein sehr komplexer Mensch.“

Auf die Frage, wie es war, mit Agam im Museum zusammenzuarbeiten, sagt Melzer: „Ich wurde eingeladen, bei der Verwirklichung des Traums, in seiner Heimatstadt ein Agam-Museum zu bauen, mitzuhelfen. Einerseits freue ich mich, dass uns das gelungen ist.“ Ein Traum wurde wahr. Aber andererseits war Agam nicht offen genug, temporäre Ausstellungen anderer internationaler und lokaler Künstler einzuladen. Ich sagte ihm, wenn das Museum nicht mit zeitgenössischer Kunst übereinstimmen würde, würde es ein Mausoleum und kein Museum werden – ein Grabstein, kein lebendiger, geschäftiger Ort. Schließlich beschäftigt sich seine Kunst mit so vielen Themen – Zeit, Bewegung, Optik, Farbe, Design, Architektur –, dass sie problemlos einen abwechslungsreichen und faszinierenden Hintergrund für Wechselausstellungen bieten könnte. Aber aufgrund Agams Beharren darauf, dass es nicht passiert ist.

Grinshpan-Bisseliches geht unterdessen auf die Kritik an seiner Stagnation ein: „Es stimmt, dass er irgendwann eine definierte und sehr spezifische Sprache für sich aufgebaut hat, auf der er Variationen geschaffen hat. Trotzdem kann man nicht sagen, dass er das nicht getan hat.“ Seit den 60er Jahren hat er Innovationen entwickelt. Beispielsweise begann er in den 80er Jahren, Judaica-Objekte zu schaffen, die sich von seinen früheren Werken unterschieden und neu waren; und in den 90er und 2000er Jahren konzentrierte er sich auf die Entwicklung seiner pädagogischen Methode zur Förderung von Kreativität und Vorstellungskraft.“

Tatsächlich hat Agam im Laufe der Jahre eine einzigartige künstlerische Technik namens „Agamograph“ entwickelt. Darin malt er auf Plexiglas und erzeugt eine visuelle Fata Morgana, die den Betrachter wie üblich dazu bringt, sich davor zu bewegen. Er erfand auch eine Schreibmethode namens „Agamilim“, bei der im Grunde ein Buchstabe ausgetauscht wird, um die gesamte Bedeutung eines Wortes zu ändern.

Er hat auch versucht, sich der sich ständig weiterentwickelnden technologischen Revolution der Kunstwelt anzuschließen. Er hat ein Theme für den Google-Browser entworfen und versucht, seinen Traum zu verwirklichen, seine pädagogischen Lernmethoden zur Förderung der Kreativität von Kindern in einer App umzusetzen. „Technologie ist nicht schlecht oder gut, aber ihr Einsatz kann schlecht oder gut sein“, sagt er. „Es ist, als würde man in ein Farbenfachgeschäft gehen und aus der riesigen Auswahl die Farben und Mengen auswählen, die zu einem passen.“

Feuer und Wasser

Es ist unmöglich, über Agam zu sprechen, ohne seinen Ruf als aggressiver und anspruchsvoller Mensch zu erwähnen, der nicht bereit ist, Kompromisse einzugehen, und dass die Zusammenarbeit mit ihm gelinde gesagt eine Herausforderung darstellt. So sagte beispielsweise der ehemalige Bürgermeister von Rishon Letzion, Dov Zur, einmal über ihn: „Agam ist jemand, der es schafft, auf außergewöhnlichste Weise auf die Nerven zu gehen.“

Wie viele von Agams Interaktionen mit dem Leben selbst war auch die Eröffnung des Museums zu seinen Ehren von vielen Hürden begleitet – von der Grundsteinlegung des Gebäudes in seiner Heimatstadt im Jahr 1998 bis zur endgültigen Öffnung seiner Türen für die Öffentlichkeit im Jahr 2017 . Diese zwei Jahrzehnte waren voller dramatischer Ereignisse; Konflikte, Haushaltsprobleme, schlechte architektonische Planung, technische Probleme und Verzögerungen bei der Übertragung der Kunstwerke von Agam selbst.

In einem von den Haaretz-Autoren Naama Riba und Shany Littman gemeinsam verfassten Artikel aus dem Jahr 2016 beschrieben sie eine nie endende Saga, deren größte Sünde wahrscheinlich die geschätzten Kosten des Museums waren: etwa 50 Millionen Schekel (13,4 Millionen US-Dollar), die bei der Ausstellung anfielen Kosten des Steuerzahlers.

„Die Meinungsverschiedenheiten liegen hinter uns“, sagt Agam mit Blick auf die Angelegenheit. „Das Museum ist geöffnet und es ist ein Juwel, weil es den Besuchern die Möglichkeit gibt, das Werk zu berühren, davon zu träumen, daran teilzunehmen und es selbst zu erschaffen. Für mich symbolisiert die hier gezeigte ‚Jakobsleiter‘ die Einladung, die dem Werk innewohnt.“ Das Museum: Besucher in eine Welt der Kreativität entführen und die alltäglichen Strapazen hinter sich lassen. Kreativität ist das Wichtigste, und das Museum fördert Kreativität auf vielfältige Weise. Es ist kein großes Museum und der Schwerpunkt liegt hier auf Workshops für Kinder und Teenager. Viele Studenten kommen, um die Magie der Bildung und Veränderung zu erleben.“

Zu Agams Geburtstag gab es Anfang des Monats eine Party im Museum. „Letztendlich ist es ein großes Privileg, das Museum gemeinsam mit dem Künstler selbst zu leiten“, sagt Makbi. „Es stimmt, wir haben bis zur Eröffnung des Museums einige schwierige Tage durchgemacht. Er ist ein Pedant, strebt nach Perfektion – das sieht man auch in seiner Arbeit –, aber ich habe Glück. Es war nicht schwierig, frustrierend oder verstörend, sondern komplex und.“ anstrengend. Während ich mit ihm zusammenarbeitete, erfuhr ich, dass er ein Mann und Künstler mit großem Wissen und einer außergewöhnlichen philosophischen Weltanschauung ist. Er ist ein Weber der Magie.“

Ein weiterer öffentlicher Streit um Agam betrifft „Feuer und Wasser“, den Brunnen, den er für die Gemeinde Tel Aviv-Jaffa geschaffen hat. 1986 wurde der Brunnen auf dem Dizengoff-Platz – einem zentralen, bekannten und vielbesuchten Ort in Tel Aviv – eingeweiht und präsentierte zweimal täglich eine Show mit Feuer und Wasser, begleitet von Musik. Agam erklärte, dass die Verbindung zwischen Feuer und Wasser Ausdruck jüdischer Mystik sei und dass ihre Installation in Tel Aviv Ausdruck des Wunders sei, das die Existenz dieser Stadt für ihn symbolisiere.

Der Brunnen stieß einerseits auf große Begeisterung, andererseits wurde der Brunnen wegen seines hohen Unterhaltsaufwands kritisiert. In den 80er Jahren fragte sich Haaretz-Korrespondent Michael Handelzalts, ob „wir uns so viele ‚Agams‘ [ein hebräischer Hinweis auf einen See] leisten könnten“, und das Werk selbst war zahlreichen Beleidigungen ausgesetzt, wie „Designtrick“, „hässlich“ und „ ästhetische Belästigung.“

Der Dizengoff-Platz wurde 2017 renoviert und der Brunnen entfernt. Ein Jahr später, als die Bauarbeiten abgeschlossen waren und der Platz wieder für die Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurde, wurde der Brunnen wieder aufgestellt, jedoch von seiner farbenfrohen Täfelung befreit. Zwischen der Gemeinde und Agam gibt es einen anhaltenden Streit darüber, ob zwei Sätze farbiger Dreiecke zur Beschichtung des Brunnens angefertigt werden sollten, für den Fall, dass der erste Satz zerstört wird, oder nur einer. Agam und das Rathaus unterzeichneten sogar einen Vertrag, der sie zur Zusammenarbeit bei der Restaurierung des Brunnens verpflichtete, doch die Umsetzung verlief nicht reibungslos.

Auf den Brunnen angesprochen, sagt der Künstler: „Es ist eine Schande und eine Schande für die Gemeinde. Etwas so Schönes und Besonderes, das die Gegensätze von Feuer im Wasser und Wasser im Feuer symbolisiert, kommt nicht zum Ausdruck. In meinen Augen ist das einer.“ Eines der schönsten Dinge der Welt: Dass Feuer im Wasser tanzt und Wasser im Feuer. Der Brunnen vermittelt Vision, Glauben und Hoffnung. Im Moment liegt es an der Gemeinde. Ich verstehe nicht, warum sie es hinauszögern; Es war etwas, das Menschen aus der ganzen Welt sehen und bewundern wollten. Was gibt es jetzt in Tel Aviv zu bewundern? Die schmutzigen Bürgersteige der Stadt? Es kann leicht erneuert werden, und es ist auch die richtige Entscheidung, damit es das große Wunder darstellen kann Tel Aviv."

Die Gemeinde antwortete: „Die Flamme wird wie geplant entzündet, ebenso wie die Beleuchtungs- und Musikanlagen des Brunnens. Die Absenkung des Dizengoff-Platzes auf die Fußgängerebene und die Erneuerung des Platzes wurden auf Wunsch des Künstlers und in Zusammenarbeit mit ihm durchgeführt, um die Skulptur zu integrieren.“ und seine komplexen Systeme in das Projekt ein. Zu diesem Zweck wurden mit einer Investition von Millionen Schekel unterirdische Räume für Maschinen und Betriebssysteme gebaut.

„Darüber hinaus wurden in enger Zusammenarbeit und Zusammenarbeit mit dem Künstler und unter seiner Aufsicht farbige Verkleidungselemente für den Brunnen angefertigt. Im Rahmen der Bauarbeiten stellte der Künstler zusätzliche Anforderungen und es kam zu Streitigkeiten über die Verkleidungselemente und die Verarbeitung.“ Arbeiten, die derzeit zwischen den Parteien besprochen werden.

„Bin ich schwierig?“ fragt Agam, vielleicht authentisch, aber sich zweifellos des Sarkasmus in seiner Stimme bewusst, als Reaktion auf meine Aussage, dass dies der Ruf ist, den er erworben hat. „Ich möchte einfach etwas Schönes schaffen. Wenn andere sich über mich beschweren, weiß ich nicht, was ich sagen soll. Ich widme mich einfach der Kunst.“