Tanzende Wasser: Rita Blitt im Mulvane Art Museum

Von Sam Ben-Meir

TOPEKA, Kansas – Dancing Waters ist eine neue Ausstellung im Mulvane Art Museum in Topeka, kuratiert von Museumsdirektorin Connie Gibbons und zeigt die Arbeit von Rita Blitt, die seit über sechzig Jahren konsequent und fleißig Kunst macht. In dieser Zeit hat Blitt ein Werk von immenser Breite und Umfang geschaffen, das Tausende von Zeichnungen und Gemälden sowie Skulpturen vom Monumentalen bis zum Intimen und sogar Filme umfasst. Die aktuelle Ausstellung stützt sich auf Mulvanes umfangreiche ständige Sammlung, um den Zuschauern einen Überblick über diesen erstaunlichen und unterbelichteten amerikanischen Künstler zu bieten.

Tanzen bedeutet Bewegung; und in Rita Blitts Werk ist die verkörperte, performative Qualität der Linienverfolgung ein wesentlicher Bestandteil. Der terpsichoreische Aspekt von Blitts Kunst lässt sich nicht auf Technik oder Stil reduzieren: Er ist sowohl für ihre Arbeitsweise als auch, was noch wichtiger ist, für die Wirkung ihrer Gemälde und Skulpturen auf uns von wesentlicher Bedeutung. Die salzige Bewegung des Wassers wird in ihrer ausgedehnten, begrenzenden und fließenden Pinselführung verwirklicht. Für Blitt ist Wasser nicht nur die anorganische chemische Verbindung, sondern im Wesentlichen elementar, die Viskosität der natürlichen Welt – es lebt und bewegt sich – und ihre Auseinandersetzung mit Wasser, diesem ursprünglichen Stoff, ist eine Auseinandersetzung oder vielmehr eine Umarmung dessen, was Der Philosoph Merleau-Ponty würde das „Fleisch der Welt“ nennen und damit unsere „verkörperte Verbindung zu den Räumen, in denen wir tief, ursprünglich und elementar leben“, unterstreichen. Zu Fleisch gehören nicht nur Wasser und seine Ströme, sondern auch die Luft und ihre windigen Atemzüge, die Erde mit ihren Formen und Wechselfällen und Feuer, so leuchtend und lebenspendend wie die Sonne.

Die Ausstellung beginnt mit zwei großformatigen Gemälden, Dancing Waters I (2001) und Dancing Waters III (2001), die beide als hervorragende Einführung in diesen vollendet lyrischen und ausdrucksstarken Künstler dienen. Sie bieten einen guten Ausgangspunkt, denn Blitt ist in erster Linie ein Meister der Linie und Linearität, wie diese Gemälde zeigen. Sie sind auch eine überschwängliche Erinnerung daran, dass Blitt im Wesentlichen ein affirmativer Künstler ist, der im Allgemeinen lieber die ekstatische Freude der Welt malt als ihre Entfremdung und ihren Schmerz. Gemälde wie diese sind letztlich eine Vision der Versöhnung der Menschheit mit der inneren und äußeren Welt. Der leuchtend gelbe Farbbrunnen, der im Herzen von „Dancing Waters I“ aufsteigt, ist eine ebenso schöne Bestätigung wie jeder andere dafür, dass Blitts Werk eine Mozartsche Welt des Vergnügens einnimmt.

Bermuda (1958) ist das früheste von Blitts ausgestellten Gemälden. Was wir hier neben anderen Gemälden aus dieser Zeit finden, ist ein Interesse an der formalen Beziehung zwischen Formen, das sich im Laufe der Zeit auf ihre monumentale Skulptur übertragen ließ. Auf der linken Seite ragt ein scharf abgegrenztes dreieckiges Objekt, vermutlich ein Boot, in einem 45-Grad-Winkel aus dem Wasser. Daran schließt sich ein halbrechteckiges Objekt an, dessen Form sich in einem Gebäude wiederholt, das sich aus dem tropischen Hintergrund erhebt. Auf der rechten Seite kann man deutlich die kühnen expressionistischen Striche erkennen, die ihre linearen Abstraktionen dominieren würden. Blitt ist es auf besonders eindrucksvolle Weise gelungen, diesen intensiven Blick auf die Form mit der energischen und hemmungslosen Gestik des weißen Sprays zu verbinden. Es erinnert an Clement Greenbergs Beobachtung, dass jedes fertige Gemälde tatsächlich „das Ergebnis der erfolgreichen Lösung eines schwierigen Kampfes“ ist.

Winds of Change (2004) und Celebrating Fall in Aspen (2003) sind schillernde, großformatige Beispiele für Blitts nicht-naturalistische Landschaftsmalerei. Es besteht eine gewisse formale und strukturelle Ähnlichkeit zwischen den beiden Gemälden, die beide eine wellenförmige Linie aufweisen, die sich über die gesamte Länge der Leinwand erstreckt. Man könnte versucht sein, diese Zeile als eine Probe der Gründungsgeste der Schöpfung zu betrachten: die Trennung dessen, was oben ist, von dem, was unten ist. Es ist nicht nur eine lange, üppige Linie, sondern der Faden, der das eigentliche Gefüge einer Landschaft ermöglicht und es uns ermöglicht, die Landschaft zu umarmen und von ihr umarmt zu werden. In „The Winds of Change“ schweben breite, ausdrucksstarke Wirbel aus Lila-, Blau- und Grautönen über dem Horizont. Blitt ist ein Meister darin, Farbe über die Leinwand wirken zu lassen. Ihre Farbe ist hier (und in Dancing Waters III) so dünn, dass sie von selbst in zarten Fäden verläuft. Sie scheut sich nicht davor, die Farbe mit der Schwerkraft zusammenarbeiten zu lassen und Effekte zu erzeugen, die einen Vergleich mit Hiroshiges Holzschnitt „Plötzlicher Schauer über der Shin-Ōhashi-Brücke und Atake“ (ca. 1920–1929) in der Ausstellung wert sind.

Blitt ist mit Transparenz ebenso vertraut wie mit Farbe und Dichte. Untitled (1968), eine durchscheinende und schwer fassbare Acrylskulptur, die in der Luft zu schweben scheint, bietet die Gelegenheit, eine subtile Präsenz zum Vorschein zu bringen – als ob der leere Raum selbst zu etwas Durchsichtigem und Ätherischem erstarrt wäre. Die Ausstellung umfasst eine kleine, aber bemerkenswerte Auswahl von Blitts Erkundungen der skulpturalen Möglichkeiten von Acryl. Das vielleicht außergewöhnlichste davon ist Aquablitt (1972), das aus einer einzigen Plexiglasplatte besteht, innen in breite Bänder unterteilt und dann von vier Personen geformt wird, die sich abwechselnd aus jeder Ecke auf Blitts Anweisung heben. In vielerlei Hinsicht verkörpert dieses Werk die Themen der Ausstellung: Das Acryl ist zu einer seltsamen und wogenden Welle geworden, die niemals aufzuhören scheint, sondern sich ständig verändert und von einer Welle zu einer anschwellenden Welle ausweitet.

Die Ausstellung umfasst einzelne Gemälde und Skulpturen einer Handvoll anderer Künstler, deren Werk thematisch verwandt ist. Darunter ist Transmutation Still Life (2018), eine Mixed-Media-Skulptur der Installationskünstlerin Marguerite Perret, außerordentliche Professorin für Kunst und Design an der Washburn University in Topeka, Kansas: Sie wirft einen realistischen Blick auf die seltsame Form, die ein gewöhnliches menschliches Artefakt annehmen kann Zeit – in diesem Fall die leuchtend orangefarbene Schwimmweste eines Schwimmers, die vom Meer kolonisiert und sich dabei in etwas Erkennbares und doch Neues, Geheimnisvolles und absolut Fesselndes verwandelt.

„Kunst ist der Wahrheit nicht gleichgültig“, wie RG Collingwood schrieb, „sie ist im Wesentlichen das Streben nach Wahrheit“ – aber wir müssen hinzufügen, dass es sich hierbei nicht um das Streben nach einer bereits bestehenden Wahrheit handelt, sondern vielmehr um das Einbringen der Wahrheit in die Welt Sein. Wenn die Moderne dies anerkennt, dann ist die Moderne nicht in erster Linie eine chronologische Kategorie: Sie ist ästhetisch und kritisch und wird im Werk von Rita Blitt veranschaulicht. In Malerei und Bildhauerei geht es ihr gerade darum, das wiederzugewinnen, was Theodor Adorno als „das Mark der Erfahrung“ bezeichnete, das durch die rationalisierte Moderne, die Reduzierung der Vernunft auf instrumentelle Vernunft und die Beherrschung der inneren und äußeren Natur verloren gegangen ist . Die modernistische Abstraktion und Blitts Gestik im Besonderen offenbaren, dass „sinnliche Einzelheiten hypnotische Objekte der Aufmerksamkeit bedeuten und sein können, unabhängig von und trotz jeglicher Form von Identifikationsmechanismus außer dem, den ihre bloße Präsenz andeutet.“

Blitts Arbeit zielt letztendlich darauf ab, die Bedeutung unserer verkörperten Erfahrung und den Status, ja, das Prestige einzigartiger, sinnlicher Einzelheiten als Objekte, die dieser Erfahrung eigen sind, zurückzugewinnen. Wie Adorno feststellte, gibt es „wirklich keine Kunst, die nicht als wesentliches Element den Aspekt hat, dem, was im Prozess des Schaffens gedämpft oder unterdrückt – also geopfert, wenn auch „nicht notwendigerweise zerstört“ wurde – eine Stimme zu geben fortschreitende Kontrolle der Natur.“ Die Kunst lässt zu, dass dieses irreduzible sinnliche Besondere als inhärent bedeutungsvoll erscheint, seine Stimme wiedererlangt und seinen Anspruch auf uns erhebt. In diesem Fall muss eine echte Wertschätzung der Kunst von Rita Blitt auch dem utopischen Aspekt ihrer Arbeit gerecht werden: Das heißt, sie lädt uns zu einer noch nicht verwirklichten Versöhnung mit der Natur (innerer und äußerer) ein, einer Versöhnung mit diesen Aspekten der Menschheit (die spielerischen, spontanen und erotischen Impulse), die unserem unermüdlichen Drang zur Beherrschung der Natur geopfert wurden.

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Sam Ben-Meir ist Professor für Philosophie und Weltreligionen am Mercy College in New York City.